L’étudiante de RAC Maria-Lorraine Caluya, mieux connue sous le nom de Lørra, fait sa marque sur la scène R&B montréalaise avec son engagement envers l’authenticité créative.
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Décrivez le son de Lørra:
R&B / Jazz
Votre plus grande réussite jusqu’à présent ?
EYEZ (vers. SoundCloud) a été diffusé plus de 1000 fois en 3 jours
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You Want My Love – Earth, Wind & Fire feat. Lucky Daye
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L’étudiante de RAC Maria-Lorraine Caluya, mieux connue sous le nom de Lørra, fait sa marque sur la scène R&B montréalaise avec son engagement envers l’authenticité créative.
La Montréalaise Lørra s’est donné pour mission de vous faire tout ressentir. Qu’elle mette des leçons de vie dans ses chansons ou qu’elle utilise sa voix pour rallier le changement, l’étudiante de RAC se construit un nom à partir de ses convictions.
Inspirée par la complexité émotive d’artistes comme Céline Dion et Tori Kelly, la musique de Lørra se caractérise par un désir éternel de trouver un but dans les imperfections. Ses singles « EYEZ » et « miss me » reflètent la capacité de la chanteuse à mélanger une sensualité douce avec une pointe poignante — et ce n’est que le début.
Avec un dernier semestre à RAC, Lørra perfectionne son style de R&B pensif et met la touche finale à son prochain album D’ange Heureuse. Prévu pour l’année prochaine, le début trilingue de Lørra promet des révélations cathartiques tant pour l’artiste que pour l’auditeur. Nous nous sommes récemment entretenus avec la jeune artiste pour plonger dans son monde d’introspection et en savoir plus sur ce qui l’attend.
RAC : Racontez-nous en plus sur votre éducation musicale. Comment vos expériences passées ont-elles fait de vous l’artiste que vous êtes aujourd’hui ?
Lørra : J’ai fait mes études dans une école publique qui était incroyablement passionnée par la musique. Je suis devenue batteuse dans un orchestre, j’ai été chanteuse principale dans les groupes de jazz de l’école et j’ai joué dans des comédies musicales. J’ai également appris les percussions du monde et je suis tombée amoureuse des congas.
J’ai été rejetée au moins une fois pour chaque groupe pour lequel j’ai auditionné. Je suis heureuse d’avoir décidé de passer une nouvelle audition, parce qu’on m’a donné des rôles plus importants que ceux auxquels je m’attendais. Grâce à ces expériences, j’ai appris la lutte et la joie de réessayer. Le rejet en valait la peine. Tous ces éléments résument tout ce que je mets en œuvre dans mon art aujourd’hui.
Après avoir brièvement étudié la psychologie, vous avez décidé d’étudier la production sonore à RAC et de suivre vos rêves. Quel a été l’impact de cette pause musicale, et qu’est-ce que cela vous a appris sur vous-même ?
Mon frère a déménagé à Vancouver en 2012 ; il était un artiste fauché, mais à chaque fois que nous nous parlions au téléphone, il disait « fais de la musique, je suis sérieux ». J’ai tout laissé tomber pendant le premier lockdown, et j’ai pris l’avion pour aller en quarantaine avec lui dans son appartement. Un jour, je me suis réveillée, j’ai regardé mon frère et j’ai dit « Je veux étudier à RAC, je vais apprendre à communiquer mes idées aux producteurs et faire de la musique qui montre de l’émotion non seulement dans les voix, mais à travers chaque son ».
L’une des choses que j’ai réalisées à ce moment-là, c’est que j’avais suffisamment fait mes preuves — à moi-même et à ma famille. J’ai également réalisé que je prenais mes décisions en fonction de ce que pensaient les autres, mais que j’étais la seule à porter le poids de la douleur et du regret d’avoir abandonné la musique pendant cinq ans. L’idée de me soumettre à une vie sans faire de musique me semblait être une autre façon de mourir, mais de devoir la vivre. Je crois que le fait d’embrasser cette passion de toute une vie était la meilleure chose que je pouvais faire pour m’aimer correctement et, à mon tour, continuer à aimer le monde qui m’entoure.
Qu’est-ce qui vous attire dans la musique R&B ? Qu’apportez-vous au R&B ?
Je suis attirée par la façon dont l’émotion est partagée dans le R&B : l’imperfection, les pleurs sous la pluie, la narration, les extraits de conversations réelles ou de discours de personnalités importantes, et la façon dont ces extraits amplifient l’émotion que les artistes essaient de transmettre. Je pense qu’en tant qu’humains, nous avons peur de l’amour. Nous avons peur de faire confiance aux gens, nous avons peur de nos émotions et encore plus de les montrer.
Je ne suis pas sûre qu’il soit possible d’apporter quelque chose de nouveau à ce genre en constante évolution, mais je veux transmettre des émotions à travers ma musique. Je veux que les gens ressentent l’émotion que je ressens et que j’ai l’intention d’exprimer pour une chanson donnée. Je veux emmener les auditeurs sur des montagnes russes d’émotions, présenter la douleur comme une force, et aider à rappeler que l’émotion est l’humanité.
Vous décrivez votre premier album D’ange Heureuse comme ayant pour thèmes « la diaspora, la dépression, la croissance, la douleur et l’acceptation ». Parlez-nous de ces inspirations pour le projet, et expliquez-nous votre processus créatif.
La création de l’album a été un processus très émotionnel. Il s’agissait en grande partie de mes parents et d’acceptation.
Avec l’une des chansons de l’album, « Would You », les questions que je pose sont « Pourriez-vous comprendre ce que j’ai vécu ? Veux-tu comprendre ? ». Dans mon enfance, j’étais très émotive et je pleurais parce que je ne savais pas comment l’exprimer ; écrire cette chanson était comme une lettre d’amour à mes parents. Lorsque j’ai présenté la chanson à ma mère pour la première fois, elle a d’abord été mécontente. La chanson aborde des thèmes tels que la toxicomanie, les abus et la dépression au sein de ma famille — des choses que je n’ai comprises que bien plus tard. Cette chanson, c’est moi qui disais à mes parents : « Je vous aime, malgré ce que vous avez traversé — cela fait de moi ce que je suis. »
Avec ce thème de la diaspora tout au long de l’album, même en tant qu’immigré de deuxième génération, moi et d’autres jeunes sommes confrontés à des traumatismes qui ne sont pas les nôtres. C’était le traumatisme de la première génération, mais ils ne comprenaient pas ce mot ; écrire cet album était ma façon de dire « maintenant, essayons de revenir et de traiter votre traumatisme pour que vous n’ayez pas à traiter les autres comme ça. »
L’album est écrit en tagalog, en français et en anglais. Il y a des identités d’être une Montréalaise dans l’album, d’être trop français pour les Anglais et trop anglais pour les Français. Et en tant que Philippine, les autres me jugeaient comme « trop foncée » — aux Philippines, si vous êtes foncée et maigre, cela signifie que vous êtes pauvre et que vous avez travaillé au soleil. Ayant grandi et ayant la peau foncée, on se moquait de moi. J’ai commencé à acheter des savons et des crèmes éclaircissantes, mais je n’ai réalisé que plus tard à quel point c’était mal. Dans cet album, j’ai appris à embrasser ma peau et à dire « j’emmerde tous ceux qui disent quelque chose sur la couleur de ma peau, pourquoi cela vous importe-t-il ? » .
En ce qui concerne le processus de création, j’ai travaillé avec les étudiants de ma cohorte de RAC. Nous sommes tous si proches. Un jour, j’étais à l’école et un camarade de classe m’a dit : « J’ai quelques chansons, et je pensais à toi ». Avec mes camarades de classe, nous avons entamé un processus au cours duquel je revenais et disais : « C’est quelque chose que nous faisons ensemble, mais c’est votre musique, vous m’avez fait ressentir ceci. Vous m’avez donné ce pouvoir ».
J’ai enregistré certaines de ces chansons à l’école ; cela m’a donné un espace sûr et m’a appris que j’avais besoin d’une équipe. J’ai réuni d’autres étudiants et je leur ai demandé d’être mes juges. Apprendre à connaître ma cohorte de RAC, eux et leur art fait du bien parce qu’il ne s’agit pas nécessairement que d’audio, mais aussi de connexion. L’une des chansons de l’album, nous l’avons composée ensemble en classe — nous devions incorporer des aspects du jazz dans une chanson, et j’ai écouté le résultat et j’ai dit « c’est une chanson que je vais écrire maintenant ».
Vous mentionnez que votre travail artistique est influencé par vos parents et par le lien que vous avez établi avec eux. Pouvez-vous expliquer comment votre relation à la famille influence votre art ?
Accepter la relation avec mes parents a été la chose la plus difficile que j’aie jamais eue à surmonter, mais ce processus m’a donné beaucoup d’émotions avec lesquelles travailler. Beaucoup d’émotions extrêmes que je ressentais, je ne pouvais pas les partager avec les autres, alors j’ai écrit. J’ai écrit encore plus quand j’ai réalisé les limites de leur humanité, comment leurs traumatismes affectaient la façon dont ils me traitaient, et en retour, comment je me sentais. Lorsque nous avons trouvé un moyen de comprendre que nous pouvions apprendre les uns des autres, c’est là que j’ai trouvé la liberté dans mon art. Il s’agissait de comprendre et de communiquer des émotions.
Quelle est la leçon la plus difficile que vous ayez eu à apprendre en tant qu’artiste émergente ?
La leçon la plus difficile à apprendre a été de gérer la quantité de passion que j’ai. Je suis entrée à RAC parce que je voulais être capable de communiquer avec les producteurs, et maintenant que je suis étudiante à RAC, je me dis : « Je veux faire ces choses moi-même… communiquer et produire moi-même. »
Le plus difficile a été de comprendre que pendant que je fais mes études, je vais devoir tout apprendre — passer par le côté difficile de l’apprentissage des techniques avant de pouvoir terminer mon album et savoir que je lui ai donné le respect qu’il mérite. Si je sortais l’album et que je n’en étais pas complètement satisfait, je ne pourrais pas continuer à l’écouter. J’ai aussi dû accepter que d’autres personnes puissent m’aider.
Quelles sont les autres passions dans votre vie qui alimentent votre créativité et contribuent à votre croissance artistique ?
Ma meilleure amie nous a en fait fait commencer à faire du roller pendant la quarantaine ; nous l’avons fait une fois, et à partir de là, j’en ai fait tous les jours. Parfois, pendant les cours, je faisais du roller.
Pour « Baby Bubbles », une des chansons de D’ange Heureuse, je l’ai enregistrée à RAC et mon instructeur Simon Jodoin m’a aidé à l’enregistrer comme exemple pour la classe. J’ai essayé de la chanter devant la classe, mais j’étais nerveuse. Mon instructeur m’a dit de mettre mes rollers… et j’ai pu chanter cette chanson du début à la fin, en libérant ma voix comme il se doit et sans stress.
Le roller est devenu un grand soutien dans ma vie. Quand je suis sur des rollers, je me sens plus créative. Le roller me donne un peu de peur, physiquement, mais aussi du courage que je peux utiliser dans ma musique, ce que je n’ai jamais pu faire auparavant.
Je suis également passionnée par la politique et l’activisme philippin. Le gouvernement philippin est très corrompu, et avec les élections à venir, le gouvernement rappelle aux anciennes générations ce qui s’est passé dans le passé. Pour moi, il est vraiment important de réintégrer l’amour et l’empathie dans notre culture, parce que ce n’est pas ainsi que mes parents agissaient, mais je savais que c’était ancré très loin dans notre lignée. Je me bats contre la loi martiale aux Philippines, pour avoir un meilleur gouvernement — même si je ne vis pas là-bas, je sais que le monde doit en être informé parce que nous n’en parlons pas.
Que pouvons-nous attendre de Lørra en 2022 ?
J’ai réservé deux séances de photos avec des artistes de Montréal et de Vancouver pour mon album, en leur expliquant en détail quelles sont mes émotions dans cet album. J’ai presque terminé D’ange Heureuse, mais je vais faire une pause après l’avoir entièrement écrit pour pouvoir faire des demandes de financement de projets et aussi pour aider à lutter pour les droits de mes compatriotes philippins. « Baby Bubbles » sortira dans les prochains mois, et D’ange Heureuse sortira en 2022.
Text écrit par Rebecca Judd
Illustration par Malaika Astorga
