Il s’agit de la deuxième partie d’une série. Lire la première partie
La création d’une marque visuelle unique pour vous dans l’industrie de la musique vous aide à vous démarquer. Mais votre marque sonore est tout aussi importante. Les sons que vous développez et utilisez dans votre musique joueront un rôle clé dans la formation de votre nom d’artiste. Regardons comment j’ai développé ma palette sonore pour « Braindeath ».
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Étape 1 : Expérimentation libre
Accordez-vous un peu de temps pour expérimenter et essayer différentes combinaisons de formes d’onde et d’effets. Selon le synthétiseur, vous pouvez combiner plusieurs formes d’onde, contrôler le nombre de voix utilisées et ajouter plusieurs effets qui modifient le son, comme le detune et le bruit. Vous pouvez également faire passer le signal de ces formes d’onde à travers différents filtres qui permettent de contrôler davantage la qualité tonale du son. Les possibilités sont infinies. Si vous souhaitez sérieusement construire une palette sonore unique qui vous aide à créer des pistes exceptionnelles, un investissement en temps est nécessaire.
Avec Braindeath, j’ai passé quelques heures à régler des boutons et à concevoir 4 ou 5 patchs de synthé avec lesquels je pouvais travailler. Comme la première chose sur laquelle j’ai commencé à travailler était le drop, je visais des sons qui pouvaient se suffire à eux-mêmes et se maintenir dans la gamme de fréquences de la piste. Cela signifiait qu’un patch de synthé jouant pendant le drop devait avoir de fortes informations audibles des basses-moyennes fréquences jusqu’aux hautes-moyennes fréquences (généralement 200 Hz à 900 Hz). J’ai également créé quelques patchs à jouer sur des notes plus aiguës afin d’avoir une variation dans la tonalité du drop et de remplir une partie de la gamme de fréquences plus aiguës (1000 Hz à 5000 Hz). Le résultat est un son épais et bien équilibré, avec suffisamment d’informations dans chaque bande de fréquence pour obtenir un mixage complet.
Étape 2 : Enregistrer, print et commit
Tout au long de votre carrière de producteur, il est important de constituer une vaste bibliothèque de sons comprenant des échantillons, des patchs de synthétiseur et du matériel audio. Votre palette sonore se composera de centaines de sons et d’idées que vous aurez accumulés au cours de tous les projets sur lesquels vous aurez travaillé. Sauvegardez chaque version de chaque patch de synthé que vous créez. J’ai tendance à sauvegarder les patchs séparément même si j’apporte de petites modifications au son. Lorsque je décide d’un patch et que je suis satisfait du son, je fais immédiatement exporter les notes MIDI en audio. De cette façon, j’ai un fichier audio permanent et unique que je ne risque pas de perdre accidentellement. En outre, cette technique vous apprend à vous engager dans le son que vous avez créé et vous évite de revenir sans cesse en arrière pour le modifier.
Lorsque je travaillais sur Braindeath, j’ai passé quelques heures à concevoir des patchs de synthétiseur et à les sauvegarder à chaque étape du processus. J’ai pu trouver beaucoup de matériel, dont certains n’étaient pas nécessairement utilisés pour ce morceau en particulier. Cependant, je savais que la sauvegarde de tout mon travail contribuerait à alimenter ma bibliothèque de sons pour mon prochain projet. En plus d’être une mesure de sécurité et une façon de s’engager dans les sons, le fait d’exporter rapidement des patchs audio a ouvert un tout nouveau domaine de possibilités de conception sonore pendant que je travaillais sur Braindeath. Cette technique est appelée ré-échantillonnage.
Étape 3 : Saisir le ré-échantillonnage
Commun dans la musique basse et électronique, le ré-échantillonnage est l’acte de créer un patch dans un synthétiseur, de l’exporter en audio, puis de ré-importer le fichier audio dans votre session ou votre échantillonneur. La plupart des producteurs affirment que le ré-échantillonnage représente 90% de la production musicale. C’est une technique très simple à appliquer et qui ne nécessite pas d’outils spéciaux, mais elle offre la possibilité de déformer le son à l’infini. Une fois que le son est exporter dans la session, vous ne travaillez plus avec un synthétiseur, vous pouvez donc pousser votre imagination en matière de conception sonore plus loin que jamais. Grâce à l’utilisation d’effets, de plugin comme l’égalisation, la compression, la distorsion, la saturation, le flanger et le delay, vous pouvez modeler votre son en quelque chose de jamais entendu auparavant. Ajoutez l’automatisation de certains paramètres et l’étirement de la tonalité et du temps à votre audio, et vous pourrez changer complètement la texture de vos sons.
Ma piste Braindeath montre plusieurs de ces méthodes, et le ré-échantillonnage explique la majorité de la façon dont le drop a été conçu. Après avoir conçu les patchs dans un synthétiseur, j’ai ré-échantillonné l’audio et j’ai fait passer la plupart d’entre eux par des simulateurs d’amplis de guitare, de distorsion, de saturation et des expandeurs pour augmenter la « taille » du son. Cela m’a permis d’obtenir un effet de choc pour le drop qui attire rapidement l’attention des auditeurs. J’ai étiré une grande partie de l’audio pour créer un son riche et robuste, et j’ai découpé et réarrangé des parties de l’audio pour créer un effet de granularité grossier.
Répartition des sons utilisés
Hell Horns (de 0:00 à environ 0:50 secondes)
Les « Hell Horns » sont une onde carrée jouée dans une note basse, noyée dans une très grande réverbération de type Hall, et filtrée au début de sorte que la plupart des informations de haute fréquence sont inaudibles. Ce son donne le ton entier de la piste. La qualité profonde et bourdonnante du son, combinée au portamento entre 2 notes (sol# et fa), crée une atmosphère sinistre et pleine de suspense et aide à préfigurer ce qui va suivre. Au fur et à mesure que l’introduction de la piste avance, la fréquence de coupure du filtre est automatisée pour augmenter lentement, révélant la granularité des hautes fréquences.
Main Motif (de 0:00 à 0:43, et de 1:47 à 2:08)
Le motif principal (Main Motif) est une combinaison d’ondes en dents de scie et carrées jouant chacune 8 voix désaccordées, avec une distorsion et un broyeur de bits pour ajouter du mordant, et un délai pour élargir la portée. C’est la principale composante rythmique du morceau. Le motif que ce son joue détermine le rythme et donne l’impulsion du morceau. Il aide également à guider les auditeurs (et les DJ qui jouent le morceau) en leur donnant un repère pour le tempo et la signature temporelle.
Drop Synths (de 1:05 à 1:46, et de 3:12 à 3:55)
C’est la partie la plus essentielle de Braindeath, et ces sons créent le thème principal du morceau. Le drop est la partie la plus mémorable lorsqu’il est joué en concert. Des combinaisons d’ondes sinusoïdales et dent de scie fortement déformées sont traitées de différentes manières pour créer des variations ; filtrage en peigne, saturation, compression pour contrôler le son ; plusieurs simulateurs d’ampli de guitare pour ajouter de la richesse et du grain, imagerie stéréo et mono-isation pour varier l’étendue du mixage, étirement du temps audio pour créer un effet de grincement et de balayage ; et application de LFO sur les filtres pour créer une dynamique dans le son.
Perfectionner votre sonorité prend du temps
Votre marque sonore est tout aussi importante que votre marque esthétique. Il existe de nombreuses façons d’affiner votre art et de construire votre palette sonore, de la création et de l’enregistrement de patchs de synthétiseur au traitement de fichiers audio avec des effets uniques. Tout au long de vos années de production musicale utilisant ces méthodes, vous vous retrouverez avec une bibliothèque de centaines de sons. Étape par étape, vous pouvez utiliser des combinaisons de ces sons pour créer des pistes sonores bien équilibrées qui vous aideront à définir votre style en tant qu’artiste.
Polykrome est un producteur et DJ basé à Montréal et diplômé de Recording Arts Canada.
