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Marchant toujours au rythme de son propre tambour, le projet de Mike Ferguson, sisterBlaze, est de retour avec un tout nouvel opus prog-pop, Gemini, qui fusionne toutes ses influences pop, punk et prog pour un résultat sophistiqué, musicalement accompli et « progcessible ».

Question en rafale avec sisterBlaze

Votre rôle dans sisterBlaze :

Compositeur, paroles, guitares, batterie, guitare basse, synthétiseurs, claviers, quelques voix.

Quel genre est sisterBlaze ?

Progcessible !

Trois albums préférés ?

Colors — Between the Buried and Me

Somewhere in the Between – Streetlight Manifesto

Kezia – Protest the Hero

Logiciel ou plugin préféré ?

L’ensemble de mixage Slate est génial. J’utilise les délais Replika et Repeater sur tout, et ils sont très polyvalents.

Quel est votre signe astrologique ?

Libra

Suivez sisterBlaze sur

Mike Ferguson n’aime pas se répéter. Batteur depuis plus de 20 ans, l’éclectisme musical de Mike, basé sur le prog, est omniprésent sur son dernier album, Gemini. Avec un large éventail d’influences allant de Blink-182, Tool, Alexisonfire, Slayer, Led Zep et Opeth, le directeur artistique de SisterBlaze s’est récemment tournés vers la composition et la collaboration pour mieux étoffer le large éventail de sons et d’idées que l’on entend sur Gemini.  Auteur-compositeur et multi-instrumentiste talentueux (il chante, joue de la batterie, la guitare, les synthés, la basse et les claviers), le dernier projet de Mike est une expérience de fusion des genres pour créer une histoire cohérente, une histoire pleine d’accroches, de refrains captivants et de surprises à chaque tournant. RAC s’est récemment entretenu avec le créateur aux multifacettes après la sortie de son nouvel album inventif pour discuter de son évolution musicale, de ses influences et de la capacité du prog-rock à relayer un courant de conscience musical.

Merci de vous joindre à nous, Mike ! Dites-nous un peu d’où vous venez et comment le projet sisterBlaze a vu le jour.

J’ai grandi dans une ville située à une heure de Toronto, appelée Newmarket. Mon oncle est ingénieur du son et mon cousin est également musicien, la musique a donc toujours fait partie de la famille. Lorsque j’étais en troisième année, mon enseignante pensait que je souffrais peut-être de TDAH parce que je marchais au rythme de mon propre tambour. Mes parents n’étaient pas d’accord avec elle et ont décidé que l’apprentissage d’un instrument de musique pourrait être un bon moyen de canaliser mon énergie.

Mon cousin avait une batterie à l’époque, et j’essayais d’en jouer. Mes parents ont pensé que la batterie était un bon point de départ, et j’ai pris des leçons pendant environ deux ans. Mais ce n’est que lorsque j’ai entendu Travis Barker de Blink-182 que j’ai commencé à prendre la batterie au sérieux. J’ai passé des années à apprendre les chansons de Blink et à pratiquer constamment. J’ai également rejoint une batterie à mon école pour parfaire mes connaissances. J’ai créé mon premier groupe à l’âge de 16 ans et j’ai commencé à apprendre la guitare en même temps.

Je fréquentais l’université à Montréal lorsque j’ai rejoint un groupe qui est devenu ma vie pendant les deux années suivantes. Nous avons fait des tournées aux États-Unis, au Québec et en Ontario. Ma palette musicale s’est élargie au point de décupler puisque le groupe était composé de sept musiciens et que chacun avait des influences très différentes. C’était génial !

J’ai ensuite rejoint un groupe alt-rock en 2014 et j’ai tourné avec eux sans relâche au Canada pendant quelques années. Finalement, la vie de tournée a eu des conséquences, et j’ai pris du recul par rapport à la musique live.

Depuis 2016, j’écris et enregistre mes propres compositions sous le nom de sisterBlaze. Le nom vient d’une religieuse avec laquelle ma fiancée a travaillé lorsqu’elle était dans un centre de répit à Toronto. Elle a mentionné Sister Blaze, et j’ai pensé que c’était un nom de groupe génial, alors j’ai décidé de l’utiliser.

Parlez-nous de vos premières influences musicales ? Ont-elles beaucoup changé au fil des ans ?

Quand j’étais jeune, j’écoutais ce que mon père aimait : les Rolling Stones, les Doors et les Beatles. Quand j’ai commencé à jouer de la batterie, j’aimais Blink-182, Green Day et tous les groupes pop-punk de la fin des années 90 et du début des années 2000, ainsi que le ska de la troisième vague. J’ai commencé à m’intéresser à la musique plus lourde comme Alexisonfire, Tool, Children of Bodom, et finalement à des groupes vraiment lourds comme Cannibal Corpse, Slayer et Nile. Lorsque j’ai rejoint mon groupe de sept musiciens à Montréal, j’ai été initié au monde du prog-rock et à certains classiques comme Zeppelin, Floyd et Frank Zappa, ainsi qu’au jazz et au reggae. Finalement, j’ai trouvé ma niche dans le métal progressif avec des groupes comme Between the Buried and Me, Haken, Opeth et Protest the Hero, et je me suis perdu dans cette sphère pendant un certain temps. 

Lorsque j’ai commencé à écrire des textes et à chanter, j’ai prêté plus d’attention à la scène de la musique pop et j’ai découvert une nouvelle appréciation de ce côté de la musique. Elle n’a pas nécessairement besoin d’être super technique ou trop compliquée pour être considérée comme « bonne ». J’ai commencé à comprendre le concept de servir la chanson, et je pense que cela a été une leçon très importante dans mon parcours de composition. Ce projet est une assez bonne représentation de mon parcours musical jusqu’à présent. 

Quand avez-vous réalisé pour la première fois que la composition et la production de musique étaient quelque chose que vous vouliez poursuivre ?

Lorsque j’apprenais la guitare, je m’asseyais pendant des heures de me frayer un chemin à travers les chansons de Protest Hero, et si une tablature n’existait pas, je commençais à la faire moi-même, améliorant ainsi ma formation auditive de façon exponentielle. Finalement, j’ai commencé à écrire mes propres riffs, et avant même de m’en rendre compte, j’avais toutes ces chansons originales sous forme de tablatures, avec toutes les parties, y compris la batterie, la basse et les synthétiseurs. 

J’ai découvert que j’adorais composer de la musique et que je voulais donner vie à mes chansons. L’écriture et l’enregistrement d’albums n’étant pas une passion bon marché, je savais que je devais apprendre à internaliser ma production autant que possible, afin de créer autant d’albums que je le voulais sans faire faillite à chaque fois. 

Parlez-nous de votre nouveau processus de collaboration. Quels sont, selon vous, les avantages et les inconvénients de travailler avec d’autres personnes sur des projets créatifs ?

Le terme « collaboratif » est un peu inapproprié. Je garde le contrôle artistique complet, et les musiciens qui jouent avec moi sont un peu une porte tournante. Je joue toutes les parties que je peux jouer, et je sous-traite celles que je ne peux pas jouer ou que je ne peux pas jouer suffisamment bien. Cela ne veut pas dire que je suis un dictateur musical. Parfois, les musiciens de session me renvoient des parties qui m’inspirent de nouvelles idées, ce qui m’ouvre de nouvelles portes pour modifier certaines parties des chansons ou incorporer ces nouvelles idées. 

Par exemple, il y a une chanson sur mon nouvel album, un morceau de piano/guitare acoustique, que j’ai écrit avec mon ami, qui est un grand pianiste. Il comprend sa théorie bien mieux que moi, ce qui lui permet d’écrire des progressions d’accords vraiment intéressantes et jolies ; nous avons coécrit le morceau, et il s’est avéré génial !

L’avantage d’avoir le contrôle total est que vous avez le contrôle total — plus de discussions avec les membres du groupe sur la façon dont les parties doivent être interprétées. Les inconvénients, bien sûr, sont que si vous écrivez et jouez toutes les parties, il faut exponentiellement plus de temps pour les enregistrer. Un autre inconvénient est que vous êtes parfois coincé dans votre boîte musicale et que vous avez besoin d’idées nouvelles pour que vos morceaux ne se ressemblent pas. Je n’ai pas encore rencontré ce problème, mais il est certain que de nouvelles perspectives musicales me manquent. Si je me heurte à un mur sur mon prochain disque, je serai plus réceptif à l’idée d’ouvrir un peu le plancher. 

Comment la musique que vous écoutez maintenant influence-t-elle votre musique ?

Mes principales influences sont généralement présentes dans mes morceaux. Sur mon nouvel album, chaque chanson contient l’ingrédient secret de ce que j’écoutais à ce moment-là. Par exemple, lorsque j’ai écrit « Horizon », j’écoutais beaucoup de rock japonais, de Vocaloid et de musique d’anime rock, et cette chanson est donc devenue très synthétisée, optimiste et entraînante. Quand j’ai écrit « Spectres », j’étais sous l’influence de Tom Petty. Tout au long du processus d’écriture, j’étais obsédé par The Dear Hunter, et je pense que l’album entier reflète beaucoup leur son.

Qu’est-ce qui vous attire dans le prog-rock plus que dans tout autre genre ? Votre projet a également un côté un peu théâtral ; comment combinez-vous ces deux aspects ?

C’est peut-être ce que j’appelle un TDA musical, mais je trouve la répétition ennuyeuse. Je ne critique pas une grande partie de la musique grand public, mais je trouve simplement que la structure statique ne permet pas une bonne écoute. L’industrie musicale ne serait probablement pas d’accord, mais c’est très bien ainsi. La musique est subjective, et si vous aimez la musique, c’est formidable.

J’aime le prog-rock ou le prog-tout parce qu’on ne sait jamais vraiment ce qui nous attend au tournant. Le genre embrasse l’idée d’un flux musical de conscience, de thèmes et de récits. Je pense que c’est le meilleur genre pour refléter musicalement le sujet traité.

La plupart des musiciens des groupes progressifs sont des virtuoses. Moi, par contre, je ne suis un virtuose d’aucun instrument — je suis plutôt un touche-à-tout, mais pas un maître. Je ne peux pas compter sur la maîtrise pour soutenir mes chansons, alors je me concentre sur les mélodies, le flux de la chanson et l’expérience, plutôt que sur la magie musicale pure. J’ai fait de la comédie musicale quand j’étais plus jeune, et j’ai donc emprunté de nombreux aspects à intégrer. Il raconte une belle histoire, mais ce n’est pas nécessairement une musique compliquée.

Je considère ma musique plutôt comme du « prog-rock léger » ou du « prog-rock accessible ». J’aime les mélodies accrocheuses, ce qui pourrait attirer les amateurs de musique pop, mais ce n’est pas une musique de musicien trop compliquée qui aliènerait ces mêmes personnes. Inversement, c’est suffisamment intéressant et diversifié pour captiver les gens qui aiment les trucs compliqués du prog.

Vous avez décrit Gemini comme un « album conceptuel inspiré par les épreuves et les tribulations de l’amour, de la perte et de la cupidité ». Pouvez-vous nous parler de l’inspiration derrière ce projet et de votre processus créatif ?

Les albums qui ont inspiré cet album sont Dark Side of the Moon de Pink Floyd et Colors de Between the Buried and Me. Les deux albums sont en fait une seule chanson étendue sur huit pistes environ, mais il est difficile de discerner où commence une chanson et où se termine l’autre. L’album coule comme un seul morceau. C’était mon intention.

J’avais la première moitié de l’album dans ma tête dès le début ; il s’agissait juste de la concrétiser. À ce moment-là, j’ai joué beaucoup plus de piano et je suis devenu assez bon pour écrire dessus. Tout à coup, le processus d’écriture s’est ouvert à une nouvelle perspective, et j’ai écrit la seconde moitié presque exclusivement au piano.

Les paroles étaient un problème. Je n’avais écrit des paroles que trois fois dans ma vie, ce qui fait que j’étais plutôt novice en matière d’écriture de paroles. Je savais que je voulais raconter une histoire, et j’avais l’idée qu’elle devait se dérouler dans l’espace et qu’il devait y avoir des pirates, puisqu’ils jouent la meilleure musique.

Lorsque j’ai commencé à élaborer les chansons, j’avais un vague concept de l’histoire, qui est basée sur la partie de l’Iliade avec les sirènes et le détroit de Messine. J’ai trouvé qu’il était très difficile de raconter une histoire linéaire, alors j’ai décidé que l’histoire se déroulerait du point de vue de trois personnages qui cherchent tous quelque chose : l’un cherche l’amour, l’autre la perte passée, et un autre cherche à partir d’un lieu de cupidité, tous attiré par le chant obsédant de quelqu’un à travers les étoiles, pour être attiré vers leur fin. Une fois que j’ai eu cette idée, les paroles de la seconde moitié de l’album sont venues naturellement.  

Votre album porte le nom du double signe aérien gémeau. Quel est le lien entre votre musique et l’astrologie ?

C’était en fait un accident. Lorsque j’ai écrit le refrain de ce qui est devenu la chanson « Gemini », j’avais besoin d’une constellation à trois syllabes. Mes choix étaient Capricorne, Scorpion, et Gémeaux. Gémeau était le nom qui ressemblait le plus à celui d’une femme, alors je l’ai choisi.

J’ai réalisé par la suite que certains des thèmes centraux de l’histoire correspondaient très bien à l’idée astrologique des Gémeaux, comme le fait d’avoir deux visages ou de penser que quelque chose est une chose, alors qu’il s’agit en fait d’autre chose. En outre, tous les personnages étaient à la recherche de leur seconde moitié, pour ainsi dire. J’appelle ça la sérendipité.

Quel est le plus grand impact que votre formation en production musicale a eu sur votre travail ? S’agit-il uniquement de prouesses techniques ?

Avant d’étudier la production musicale, j’avais essayé à plusieurs reprises de l’apprendre par moi-même. Comme je n’excelle pas en dehors d’environnements structurés, je ne suis pas allé très loin. Après avoir obtenu mon diplôme, j’ai pu monter mon propre studio et arriver à sortir des titres qui sonnent à peu près bien. Il me reste encore beaucoup de chemin à parcourir, et j’ai bénéficié de l’aide extérieure de quelques excellents ingénieurs pour mon nouvel album. Cela dit, si vous m’aviez dit il y a quatre ans que je sortirais quelque chose qui sonnerait comme Gemini, je ne vous aurais pas cru, mais maintenant que j’ai les connaissances nécessaires pour me débrouiller seules dans la production musicale, il n’y a plus de limites.

Quelle est votre prochaine étape en 2021 ?

Je vais prendre une petite pause et j’espère regarder le Canadien gagner la coupe. J’ai déjà quelques idées de chansons, alors j’ai hâte de me remettre à écrire. Je pourrais faire quelques singles, peut-être écrire quelques trucs avec d’autres musiciens maintenant que la pandémie semble se calmer, et peut-être me lancer dans le domaine du contenu YouTube avant de me plonger dans un autre long-métrage. J’ai récemment déménagé, et je viens de remettre ma batterie en place. Cela fait presque neuf mois que je n’ai pas joué, alors je dois me débarrasser de la rouille !