Pour Honey et Max Pazhutan, alias v H+ et M P, la liberté réside dans la précision. Le duo associe une approche mathématique et logique de la composition à une créativité sans limites. Les projets ne sont pas simplement un moyen d’expression ; ils sont une occasion d’apprendre et d’explorer en permanence.
Les diplômés du RAC, éducateurs, chercheurs, compositeurs et powerhouses de la musique ont pris le temps de nous parler de leurs philosophies artistiques, de leurs méthodes de création et de partager quelques réflexions sur le pouvoir de l’art et son impact sur l’humanité.
Une pièce d’équipement dont vous ne pouvez pas vous passer :
v H+ : Mon cerveau
M P : Je ne suis dépendant d’aucune pièce d’équipement
Si je n’étais pas un.e ingénieur.e du son/musicien.ne, je serais… :
v H+ : Ingénieure en génétique
M P : Horloger
Vos signes du zodiaque ?
v H+ : Verseau
M P : Sagittaire
Repas préféré « Je suis en studio » ?
v H+ : Il n’y a pas de nourriture dans le studio … mais bon, tout ce qui contient des champignons.
M P : Moka
Compositeur préféré ?
Les deux : John Cage
v H+ : Meredith Monk / Miles Davis / Terry Riley / Laurie Spiegel / Delia Derbyshire
M P : Iannis Xenakis / Pierre Boulez / John Coltrane / Karl Stockhausen / J.S.Bach
Un élément clé lorsqu’il s’agit de collaborer… :
v H+ : Interaction, Chimie
M P : Objectif partagé, Harmonie
RAC : Pouvez-vous nous parler de vos premières influences qui vous ont poussé à travailler dans la musique et la production ?
v H+ : Mon premier jouet préféré, lorsque j’étais enfant, était une radio FM/AM à transistor, qui m’a permis d’explorer et de composer de la musique pour la synthèse par modulation de fréquence et les orgues à transistor. Plus tard, lorsque j’étudiais la composition contemporaine, le fait de connaître le compositeur d’avant-garde John Cage et sa philosophie a éclairé mes intérêts, qui comprenaient l’exploration des possibilités artistiques de l’intersection entre la musique et l’électronique. Le bruit et la création de matériaux musicaux à partir de diverses couleurs de bruit est également une constante dans mes activités.
Le chant classique a été ma principale motivation pour commencer mes études musicales. Plus tard, j’ai découvert le chant jazz, et de là, je suis arrivée aux techniques vocales modernes et contemporaines.
M P : La première chose dont je me souvienne dans ma vie, c’est d’avoir fait de la musique dans ma tête. Plus tard, j’ai décidé d’apprendre à donner vie à ces morceaux. Rien ne m’a plus marqué que la musique dans mon enfance.
Je ne me souviens pas d’un moment où je n’étais pas musicien. J’ai travaillé pour acquérir plus d’informations et de techniques plus tard, mais la première chose dont je me souviens dans ma vie, c’est de penser « en musique et de penser à la musique tout le temps.
RAC : Qu’est-ce qui vous a amené à vous intéresser à la musique électronique en tant que genre principal dans lequel vous travaillez ? Qu’est-ce qui fait que ce genre est le meilleur moyen d’exprimer votre message ou votre philosophie ?
v H+ : Tout d’abord, je dois dire qu’avoir aucun genre est notre genre principal !
Et deuxièmement, la musique électronique n’est pas un « genre », c’est un ensemble d’approches diverses de la création musicale que la technologie électronique a rendu possible.
M P et moi parlons constamment des quatre raisons d’être de la musique électronique :
- Premièrement, le matériel à partir duquel la « musique électronique » est fabriquée est extrêmement intéressant et sans limites.
- Deuxièmement, les formes disponibles pour présenter votre travail et livrer votre art sont infinies.
- Troisièmement, le sentiment d’ajouter quelque chose au canon de la musique électronique est fascinant.
- Enfin, le processus par lequel passe tout artiste lorsqu’il/elle part d’une simple forme d’onde et accomplit un phénomène musical est très engageant : aucun.e musicien.ne électronique ne reste le/la même artiste avant de commencer et après avoir terminé une œuvre d’art. On apprend tellement de choses avec chaque œuvre, et on acquiert des expériences qui ne sont pas possibles sans le processus de création.
Les ordinateurs jouent un rôle important dans notre processus de création, et certaines de nos œuvres relèvent du domaine de la « musique par ordinateur » plutôt que de la « musique électronique ». Pour être clair, la « musique assistée par ordinateur » est un vaste champ d’études qui comprend la synthèse, le traitement numérique des signaux et la psychoacoustique. Il s’agit de l’application de l’informatique à l’art sonore, et nous sommes actuellement témoins d’un moment très intéressant qu’il traverse.
M P : La musique électronique est basée sur le plus haut degré de liberté dans la création et la compréhension. L’improvisation et la composition fixe sont toutes deux également valorisées. Une seule onde générée par un système électronique peut être considérée comme une composition musicale, et il est également possible d’interpréter des compositions à grande échelle par des moyens électroniques.
Ceci étant dit, il est également bon de mentionner que v H+ et moi-même sommes préoccupés par notre empreinte carbone. Le matériel électronique n’est pas écologique par nature, de l’extraction à la production en passant par l’élimination et le recyclage ; il pollue à chaque étape.
Aujourd’hui, alors que nous écoutons de la musique en streaming facilement, nous n’aimons pas penser à l’impact environnemental que cela peut avoir ; la commodité est le facteur que la plupart considèrent en premier. Mais le fait que toutes les étapes du streaming musical nécessitent de l’énergie est très préoccupant.
RAC : Vous avez participé à plusieurs reprises à des concerts de bienfaisance pour l’Organisation mondiale de la Santé et vous avez déclaré que votre travail était axé sur l’humanité et l’espoir d’un avenir meilleur. Diriez-vous que vous avez réussi à faire passer ces messages ? Pouvez-vous expliquer un peu comment ils se manifestent dans votre travail ?
v H+ : Le succès d’activités telles que le spectacle au profit de l’O.M.S. lors de la journée mondiale de la tuberculose dépend de la constance de la répétition. Si, chaque année, davantage d’artistes aidaient les centres de science et de recherche tels que l’O.M.S., ces artistes participeraient à la résolution de graves problèmes mondiaux, au lieu de se contenter de divertir.
Lors de ce genre d’événement, vous savez que vous n’êtes pas seul.e… Par exemple, le concert de bienfaisance en ligne de l’Organisation mondiale de la Santé réunissait 24 compositeurs. Bien que les compositeurs et les interprètes ne se connaissaient pas, leurs œuvres étaient dans le même esprit. Et chaque année, de nombreuses personnes attendent avec impatience « To Be Continued ».
Chaque fois que je vois quelque chose qui est fait pour les êtres humains, j’aime m’engager pour l’humanité et y consacrer mon art.
M P : Nous avons encore un long chemin à parcourir. Mais lorsque vous dessinez une image de quelque chose, vous l’ouvrez en fait à devenir un discours. Les risques liés à la puissance de calcul, à l’IA et à la technologie sont toujours nos épées de Damoclès. Les pandémies catastrophiques ne sont pas impossibles. Le changement climatique a déjà changé la vie de nombreux êtres humains sur notre planète. Mais nous sommes des musiciens, alors comme les « Trouvères », nous incluons aussi nos préoccupations et nos espoirs dans nos structures sonores !
RAC : Vous travaillez tous les deux sur plusieurs projets sous des noms différents. Diriez-vous que chacun d’eux a un son distinct ou qu’il y a un thème dominant dans l’ensemble de votre travail ?
v H+ : Dans « Pazhutan Ateliers », notre petite entreprise, nous avons différents projets. Ce sont des sous-ensembles de nos activités artistiques. En général, chaque sous-ensemble « basé sur un projet » a des objectifs, des étapes et des livrables clairs, et parfois même une date de début et de fin définie. Pour chaque projet, nos moyens et méthodes de création, de performance et de production sont différents. Ces noms visent à simplifier plutôt qu’à mystifier ce que nous faisons.
Certains de nos projets, comme les albums et les EP de Twarc Pyroelectric et de The Quark Model, sont disponibles à la vente sur des plateformes.
Les autres projets se prêtent davantage à la performance en direct ou à la réalisation d’une « installation » dans un lieu interdisciplinaire.
Lorsque nous utilisons des logiciels de codage informatique, des iPods, des téléphones, des consoles de jeux et nos propres systèmes de bricolage, nous nous appelons Cybernetic Ensemble ou Cy-Ens !
Il arrive que nous prenions des compositions de grands compositeurs tels que Stockhausen, Messiaen et Boulez, et que nous les interprétions à l’aide de divers systèmes informatiques. Ce sont les œuvres qui tombent sous le nom de sin(thesis). sin(thesis) prouve que les considérations structurelles et théoriques avancées de la musique d’art donnent un matériel très précis pour la discipline logique de la musique informatique.
M P : Avec un nom différent, un.e artiste peut explorer différentes méthodes de création, et prendre plaisir à livrer son art de diverses manières.
En plus de cela, le titre d’un projet musical est comme un objet encapsulé. Lorsque vous entendez le nom d’un groupe, il signifie quelque chose pour vous, plus qu’un simple « nom » pour un orchestre ou un ensemble ; il évoque des concepts, des idées, des humeurs, des goûts et des objectifs.
Lorsque j’écris de la musique pour chacun de ces projets, je suis une personne différente. L’intérêt d’utiliser des instruments spécifiques et la joie de créer de la musique d’une manière qui est unique à ce projet, sont les faits derrière ces titres. Ces monikers ne sont pas seulement des noms. Ils cataloguent également notre production musicale au fil des ans.
RAC : Comment décririez-vous votre approche de la création musicale ? Partez-vous avec des objectifs spécifiques à l’esprit pour un morceau ou allez-vous là où la composition vous mène ?
v H+ : C’est le concept qui spécifie les méthodes et les outils. Lorsque vous avez un concept clair, vous devez alors trouver et développer votre propre façon de le transmettre. Le sens que vous essayez d’exprimer, les sentiments, les humeurs, etc., sont la raison pour laquelle vous créez des documents audio ou visuels.
M P : Lorsque nous composons de la musique, il y a différentes décisions que nous devons prendre. Par exemple, si vous devez appliquer des notes avec des fréquences qui ne sont pas sur le clavier bien tempéré, vous avez différents choix : une contrebasse et/ou un thérémine. Comment savoir lequel choisir ? La contrebasse est un instrument acoustique traditionnel tandis que le thérémine est un synthétiseur de l’ère spatiale qui interagit avec son/sa joueur.se grâce à ses antennes ! Vous pouvez également utiliser le codage informatique pour créer ces notes. Ainsi, quelque chose devrait déterminer les raisons pour lesquelles nous choisissons certains instruments et techniques de jeu.
Je suis très influencé par les mathématiques. Les mathématiques sont l’étude de la structure, du rythme et des motifs. La musique est l’art de la structure, du rythme et des motifs. Les mathématiques sont la connaissance des formes, des espaces, des quantités et des changements.
L’une de mes passions est l’exploration constante des techniques de composition musicale, qu’elles soient traditionnelles, classiques ou contemporaines, et de toutes les régions du monde.
RAC : Pour faire suite à la question précédente, votre processus est-il collaboratif dès le départ, ou travaillez-vous individuellement et mélangez-vous ensuite vos œuvres ?
v H+ : Nous sommes tous deux des leaders à l’esprit d’équipe. En tant que duo, nous ne remarquons même pas à quel point nous comprenons précisément nos rôles individuels. Comme les notes d’un accord ou deux lignes d’un contrepoint, nous interagissons les uns avec les autres et accomplissons le rôle de chacun.
M P : Nous discutons de diverses idées lors de séances de brainstorming. Puis nous en trouvons quelques-unes qui peuvent enrichir un concept déjà acceptable. Lorsque nous constatons que nous aimons y consacrer du temps et canaliser notre créativité pour atteindre les objectifs de cette idée spécifique, alors nous cessons de trop réfléchir et commençons à travailler. Il est possible que nous essayons des éléments qui servent de base et qui pourront être supprimés plus tard, mais certaines des premières prises sont les meilleures. Les solos sont particulièrement impressionnants lorsque vous pouvez les réussir dès la première prise.
RAC : Comment démarrez-vous votre processus de création ? Où trouvez-vous des idées et de l’inspiration pour vos projets ?
v H+ : Les humains et l’humanité sont des influences majeures pour moi. J’ai composé de la musique pour les ondes cérébrales. Je travaille et explore de nouvelles façons d’interagir avec les logiciels MIDI.
L’environnement et l’espace sont également des influences très importantes. Nous avons un projet de recherche consacré aux intersections entre l’astronomie et la musique.
La technologie est une autre influence importante. Le fait d’avoir accès à des ordinateurs, et de connecter des instruments de musique pour bénéficier de possibilités illimitées, nous incite à créer quelque chose pour eux.
Dans notre studio, il y a des réseaux MIDI sans fil que vous pouvez utiliser pour jouer facilement d’une application de synthé sur un iPad à l’aide d’un clavier de 88 touches à action pondérée situé dans la pièce voisine !
M P : Il y a deux côtés à notre processus créatif. D’une part, il y a la technologie, que ce soit les synthétiseurs modulaires, les claviers ou les environnements de codage informatique. Ces éléments sont extrêmement importants pour avoir un son unique et avant-gardiste. Et aussi une motivation pour en apprendre davantage, car il est nécessaire d’être bien informé lorsqu’il s’agit d’utiliser efficacement ces technologies.
D’autre part, nous avons la théorie musicale, l’harmonie avancée et les études connexes. La production musicale des compositeurs du 20ème siècle après Schoenberg (John Cage, Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, etc…) est une galaxie d’influences. Les pratiques de Schoenberg sont l’une des raisons pour lesquelles nous disposons aujourd’hui de ces technologies de musique systématique.
RAC : En plus de travailler avec la technologie pour créer votre musique, jouez-vous d’autres instruments ? Pouvez-vous nous parler de vos antécédents en tant que musiciens ?
v H+ : Je chante. Je suis une mezzo-soprano. J’ai étudié le chant classique au conservatoire. Je joue également de la percussion acoustique.
M P : Je joue de la guitare acoustique, de la flûte à bec alto, et parfois d’un mélodica ! J’ai une relation très amicale avec le piano acoustique, mais je n’en possède pas.
RAC : Vous concevez et donnez tous deux des cours pour les Pazhutan Ateliers. Qu’est-ce qui vous a décidé à partager vos connaissances musicales de cette manière ?
v H+ : Chaque fois que vous enseignez quelque chose, non seulement vous partagez vos connaissances avec quelqu’un d’autre, mais vous apprenez aussi ce sujet plus profondément. Cela ne s’arrête jamais. Chaque fois que je partage ce que j’ai appris, je l’apprends encore mieux.
Certains artistes cherchent à compléter leurs compétences en approfondissant leur formation dans des domaines spécifiques de la théorie musicale contemporaine et/ou de la technologie des médias. Ils nous ont choisis parce que nous les aidons à chaque étape du processus.
Il y a aussi des artistes qui pensent que s’ils avaient quelqu’un pour les coacher sur le plan artistique ou technique, ils pourraient réaliser leur prochain morceau, album, etc. avec plus de confiance. Nous sommes là pour eux aussi.
M P : Le système se compose de différents cours permettant d’étudier et d’explorer la technologie musicale, l’art sonore contemporain et la composition musicale avancée. Bien que ces cours soient destinés aux étudiants en composition, ils conviennent également aux opérateurs de studio, aux instrumentistes et même aux artistes d’autres domaines. Nous avons des étudiants qui font déjà des études avancées en musique, mais pour faire ce qu’ils veulent, ils doivent maîtriser certains domaines qui ne sont pas couverts par les cours académiques. C’est là que nos cours peuvent constituer un complément pour les étudiants en musique, les ingénieurs du son et les artistes des médias.
Les cours comprennent : Musique électronique et informatique ; Art sonore / Installation sonore ; Appréciation de la musique ; Jazz ; Théorie de la musique et composition ; Musique8 / Le système d’éducation musicale pour les enfants ; des cours spécialisés supplémentaires sont également proposés.
Vous trouverez plus d’informations sur les différents cours offerts ici : https://www.pazhutan.com/
RAC : Parlez-nous de votre formation musicale à RAC. Pourquoi avez-vous décidé d’étudier l’ingénierie audio et quels ont été les principaux enseignements de vos études ?
v H+ : Après des années d’auto-apprentissage et d’exploration, MP et moi avons finalement décidé de mesurer les connaissances. Nous avons fait nos recherches et avons choisi l’Institut d’enregistrement du Canada pour ce faire. Pour calibrer notre savoir-faire, travailler davantage sur nos compétences en langage technique, rencontrer des personnes partageant les mêmes idées dans le domaine des médias et de la musique, et trouver des occasions de mettre en valeur nos talents. Pour moi, la production médiatique était primordiale, et comme elles ne sont pas vraiment séparées, j’ai beaucoup apprécié l’ingénierie également.
M P : Toutes les mises à jour, améliorations et calibrations des compétences peuvent être considérées comme un processus d’apprentissage. C’est nécessaire pour une activité durable, et c’est extrêmement sain pour l’esprit. De plus, la diversité des esprits créatifs dans une école du son est énorme et peut ouvrir des portes à la collaboration et au travail de groupe.
Devenir ingénieur.e du son est certainement un moment important pour un.e compositeur.rice/musicien.ne. On peut diviser toute leur production artistique en deux parties : avant et après être devenu ingénieur.e du son.
RAC : Merci beaucoup pour votre temps, v H+ et M P ! Avez-vous des projets à venir ? Que pouvons-nous attendre de vous pour le reste de l’année 2022/début 2023 ?
v H+ : Pour l’instant, nous sommes en train de mettre en place un nouveau studio.
Composer de la musique pour un environnement immersif, et l’intégrer avec des visuels codés par ordinateur est notre principal domaine d’intérêt.
Nous sommes en train de concevoir une salle d’écoute immersive dans l’un de nos studios. Pour ce faire, MP et moi devons effectuer de nombreuses recherches systématiques sur les amplis passifs et les haut-parleurs immersifs.
Par ailleurs, dans notre département de production musicale, certaines choses sont presque prêtes. Restez à l’écoute !
M P : L’audio immersif est le principal intérêt de « Pazhutan Ateliers ».
Nous allons également introduire un nouveau programme de notre projet 3S1T, qui sera un VR d’observation de l’espace 3D en cohérence avec notre musique.
Je suis également en train de programmer une banque massive d’accords MIDI et de progressions d’accords pour les compositeurs et les auteurs-compositeurs.
Nous aurons des représentations en direct au cours de l’été 2023… avec un peu de chance !
Merci à vous…
Love
v H+ | M P
Texte écrit par Ania Szneps
Illustration par Yihong Guo
